10 artistes qui ont changé le cours de l'art du 20e siècle

Le XXe siècle a été une période de changements et de développements artistiques rapides où les concepts traditionnels préconçus ont été remis en question. Le rôle de l'artiste, la relation entre la représentation et la signification, et la pertinence croissante des images visuelles produites en masse ont été considérés et redéfinis. Ici, nous énumérons dix des figures clés qui ont révolutionné l'art du XXe siècle.

Louise Bourgeois

Impliquée dans une série de cercles artistiques tout au long de sa vie, le travail de Louise Bourgeois n'a pris de l'importance que dans ses dernières années, avec des pièces puissantes et hautement évocatrices telles que Destruction du père (1974), une installation fermée faite de latex et de plâtre et rappelant d'un utérus, ou Maman (1999), une sculpture en bronze d'une araignée de neuf mètres de haut. Les œuvres de Bourgeois sont profondément personnelles, puisant dans les traumatismes de l'enfance et dépeignant des thèmes du subconscient, de la sexualité et de l'émotion refoulée. Bourgeois a traduit ces thèmes en symboles visuels souvent macabres et redoutables; ses araignées, pour lesquelles elle est peut-être la plus connue, sont à la fois prédatrices et protectrices. Ses manipulations du corps rappellent des idées de sexualité et de douleur féminine. Par son travail, Bourgeois a révolutionné l'art féministe et l'installation.

Marcel Duchamp

L'œuvre de Marcel Duchamp a couvert de nombreux mouvements clés du début du XXe siècle, notamment Dada et le futurisme. Aujourd'hui, cependant, Duchamp est surtout connu pour son travail controversé intitulé Fontaine (1917) - un urinoir en porcelaine sur lequel Duchamp a ajouté la fausse signature, «R.Mutt». À la fois scandaleux et déroutant, Fountain est un moment décisif du XXe siècle, supprimant l'obligation de l'art d'être esthétique et appelant plutôt à la provocation intellectuelle. Les œuvres de Duchamp expriment entièrement son attitude dadaïste; aux côtés de ses contemporains littéraires, politiques et artistiques, il se révolte contre la notion de valeur artistique et de goût «raffiné» et plaide pour un art qui plait à l'esprit plutôt qu'aux yeux.

Frida Kahlo

Née en 1907 à Mexico, la vie légendaire de Frida Kahlo a été marquée par le drame, les traumatismes et la tragédie. À l'âge de 16 ans, elle a été impliquée dans un accident de tramway presque mortel qui l'a laissée dans une douleur chronique et une mauvaise santé pour le reste de sa vie. Elle a souffert de graves troubles émotionnels au cours de sa relation tumultueuse avec le peintre politique Diego Riviera et, en raison de son accident d'enfance, n'a jamais pu mener à terme ses grossesses. Ces difficultés ont trouvé une expression profonde dans ses œuvres vibrantes, souvent dérangeantes, qui se caractérisent par une exploration audacieuse et sans faille de sa propre expérience personnelle, de son identité et de sa sexualité. On se souvient largement de Frida Kahlo comme d'une surréaliste, mais Kahlo elle-même a rejeté ce terme, détestant la misogynie trouvée dans les cercles surréalistes et dans leurs représentations freudiennes et masculines des femmes. Au lieu de cela, à travers son travail, Kahlo a révélé la complexité de l'expérience féminine et a affirmé la validité de sa propre vision unique.

Anish Kapoor

Né en 1954 à Bombay, en Inde, Anish Kapoor est l'un des artistes contemporains et des sculpteurs contemporains les plus titrés du siècle. Son travail incorpore une étonnante variété d'esthétiques; ses premiers travaux combinent des influences orientales et occidentales, en utilisant des matériaux naturels tels que le grès et le granit infusés de pigments aux couleurs vives et façonnés en formes simples. Ses dernières sculptures à grande échelle expérimentent la forme à une échelle monumentale, utilisant des surfaces réfléchissantes pour déformer les conceptions de la perspective et de la structure. Son utilisation de la cire rouge dans les installations, quant à elle, est choquante et viscérale, tandis que sa malléabilité et sa transformation constante questionnent les idées de forme et de création artistique. Plus récemment, Kapoor était dans l'actualité pour avoir remporté les droits exclusifs sur le pigment le plus noir du monde: Vantablack.

Jeff Koons

L'une des figures les plus conflictuelles de l'art contemporain, Jeff Koons se décrit comme l'artiste «qui essaie de conduire l'art au 21e siècle». Koons remet en question toutes les idées préconçues sur ce qu'est l'art, cherchant à révolutionner les distinctions traditionnelles entre l'art «élevé» et l'art commercial produit en masse. S'appuyant sur les idées de Marcel Duchamp et Andy Warhol, Koons évite le concept de l'artiste en tant que créateur original; plutôt, Koons est bien connu pour ses recréations hautement techniques de publicités et d'objets banals. Son travail dépeint également des objets qui sont largement considérés comme «peu attrayants», et les place de manière provocante dans un contexte où le spectateur est contraint de les considérer comme «artistiques». Critiqué par beaucoup pour la disparition supposée du talent artistique et la montée du kitsch, Koons reste l'un des artistes les plus influents, les plus controversés et les plus rentables du siècle.

Georgia O'Keeffe

Georgia O'Keeffe est considérée comme l'une des figures de proue du modernisme américain, un mouvement qui a gagné en popularité et en attention pendant l'entre-deux-guerres. La peinture moderniste a cherché à représenter une multiplicité de significations, plutôt que de s'arrêter à une représentation pure. Les œuvres d'O'Keeffe évitent les frontières entre représentation et abstraction; ses peintures représentent en grande partie la nature et le paysage du sud-ouest américain, mais de manière à créer de nouvelles couches d'importance. Ses célèbres peintures de fleurs représentent ces sujets classiques d'une manière nouvelle, en se concentrant sur les gros plans du centre des fleurs et de leurs organes reproducteurs. En supprimant le contexte, ses peintures deviennent abstraites et presque surréalistes, évoquant de nouvelles perceptions de l'objet.

Pablo Picasso

Pablo Picasso, l'un des artistes les plus célèbres et les plus prolifiques du XXe siècle, a contribué à la création du mouvement cubiste, révolutionnant ainsi entièrement le concept de l'art. Sa peinture intitulée Les Demoiselles d'Avignon (1907) est une œuvre proto-cubiste qui rejette les idées traditionnelles de proportion et de perspective au profit de lignes et de formes géométriques qui cherchent à représenter l'émotion et l'impression, plutôt que la réalité. Au fur et à mesure que son style se développait, Picasso testait les limites extrêmes du cubisme, créant des peintures plates, presque bidimensionnelles, dans lesquelles le sujet était réduit à une série de formes. Picasso a continué à peindre jusqu'à sa mort en 1973; s'étalant sur plus de 70 ans, son œuvre reflète certains des contextes historiques et sociopolitiques de l'art les plus importants du siècle.

Jackson Pollock

L'une des principales figures de l'expressionnisme abstrait, les peintures de Jackson Pollock rejettent la nature narrative et thématique traditionnelle de l'art au profit d'une exploration du médium lui-même. Ses peintures, créées avec sa technique de goutte à goutte emblématique où la peinture est coulée et jetée sur la toile sans l'utilisation de pinceaux ou d'outils, ne représentent pas un objet ou une histoire particulière; les œuvres de Pollock explorent plutôt l'acte même de la peinture, présentant un enregistrement de sa relation avec la peinture et de ses efforts pour la manipuler à un moment donné. Le travail de Pollock a ensuite influencé une génération d'artistes abstraits, dont Cy Twombly et Helen Frankenthal, entamant un dialogue critique dans le monde de l'art sur le rôle de la représentation et du sens dans l'art.

Cindy Sherman

Largement reconnues comme les pionnières de l'esthétique photographique de la fin du XXe siècle, les photographies de Cindy Sherman sont une exploration saisissante de l'individualité et de l'identité. Sherman a choisi de se concentrer sur la photographie, tant dans son éducation que dans son travail artistique, estimant qu'elle incarnait le mieux les moyens d'expression contemporains. Sherman était particulièrement intéressé par les médias et ses modes de représentation; ses œuvres clés se représentent dans une variété de costumes et de scénarios, imitant des images typiques de femmes trouvées dans les médias. Sa série Untitled Film Stills (1977-1980) la dépeint comme de célèbres icônes d'écran, alignant l'identité avec l'apparence physique et remettant ainsi en question la simplification et l'objectivation de la forme féminine dans la société contemporaine.

Andy Warhol

Largement considéré comme la figure de proue du mouvement Pop Art, Andy Warhol a créé certaines des œuvres les plus emblématiques du XXe siècle. Ses œuvres s'inspirent de l'esprit culturel des années 1950 et 1960, en utilisant des images reconnaissables, dans certains cas banales, de produits de consommation, de publicités et de célébrités afin d'explorer la relation entre l'art et les images commerciales. Warhol est particulièrement remarquable pour avoir introduit la technique de la sérigraphie pour la peinture artistique; les reproductions presque identiques qu'il pouvait créer faisaient écho à la nature produite en masse des produits de consommation et des médias. Plutôt que de céder aux prédictions de certains critiques selon lesquelles l'art suffoquerait sous la nouvelle culture consumériste, Warhol a combiné les deux, explorant la nature de l'un à travers l'autre.

 

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