Les 10 meilleurs photographes australiens à connaître

La photographie est un médium artistique populaire en Australie, où les sujets ne manquent pas, du magnifique paysage naturel à la population multiculturelle. Les artistes contemporains utilisent la caméra pour dépeindre la vie quotidienne et ses transformations, ainsi que les paysages naturels et sociaux changeants. Des utilisations plus traditionnelles du médium à la mise à l'épreuve de ses limites et de ses limites et du croisement des genres, ces 10 photographes sont parmi les meilleurs qui travaillent aujourd'hui.

Justine Khamara

Justine Khamara (née en 1971) explore et défie les frontières du médium photographique, réinterprète le portrait photographique et questionne les notions contemporaines de l'être. Ses œuvres sculpturales et collages en trois dimensions offrent une manipulation de la réalité qui se livre à des notions d'auto-représentation à l'ère des technologies de (re) production instantanées et sans cesse génératives. Son œuvre utilise des photographies et des images en tranches minces d'un seul sujet capturé sous plusieurs angles. Le Bal d'Erysicthon (2010) a été inspiré par le mythe grec d'Erysicthon, roi de Thessalie, pour remettre en question la vanité des sociétés modernes, évidente dans l'activité généralisée et absorbée de prendre plusieurs images de soi et de les publier sur divers réseaux sociaux - tentant ainsi de contrôler la représentation personnelle et perpétuant les phénomènes de vanité. Dans beaucoup de ses œuvres, Khamara utilise des images d'elle-même et de sa famille ou de ses amis, ce qui lui permet de travailler intimement avec ses sujets de portrait. Dans Watch me glisser à travers ces feuilles minces (2011), une feuille de tissu imprimée d'images d'elle-même et de sa mère est combinée avec un miroir, pour attirer l'attention sur la possibilité que des individus éprouvent plusieurs aspects d'eux-mêmes.

Bill Henson

Bill Henson (né en 1955) utilise un moment particulier de la journée - le crépuscule - pour capturer des images de paysages et d'adolescents qui créent une sorte de «mythologie moderne». Les conditions d'éclairage du crépuscule et les techniques de sous-exposition et les réglages d'impression permettent à Henson d'obtenir des contrastes d'ombre et de lumière - clair-obscur - qui s'apparentent aux natures mortes des maîtres flamands. Son œuvre évoque une atmosphère de transcendance et d'événements surnaturels, explorant le thème récurrent de la dualité. Ses sujets sont représentés dans l'obscurité et la faible lumière, ne regardant jamais directement l'objectif, partiellement cachés pour créer une aura de mystère et d'existence bacchanale. Les tableaux picturaux et mis en scène de Henson perpétuent la tradition de la littérature et de l'art romantiques du XIXe siècle et le concept du sublime, dans lequel la grandeur de la nature provoque les sensations conflictuelles d'étonnement, de terreur et de respect. Brouillant les frontières entre la réalité et l'inconscient, Henson transporte le spectateur dans une dimension parallèle se cachant derrière d'épais voiles d'obscurité et richement chargé de références à notre passé. Pour l'artiste, les paysages sont des éléments forts de nos souvenirs, et son intérêt à les capturer dans des images memento mori qui ont le pouvoir de transporter le spectateur dans un monde hors du temps.

Tracey Moffatt

La cinéaste, vidéaste et photographe Tracey Moffatt (née en 1960) crée des œuvres stimulantes qui explorent des questions telles que la race, les traumatismes infantiles et les médias, ainsi que l'assujettissement autochtone, la domination maternelle, les stéréotypes de genre et la division des classes. Les œuvres produites dans les années 1980 comprennent Some Lads (1986), une série de photographies en noir et blanc qu'elle a montrées aux côtés de la photographie couleur The Movie Star (1985). Dans Disappointed Dreams (1989), Moffatt a présenté un récit riche et fragmenté avec des images suggestives de violence, de glamour et de rêves déçus. Son intérêt pour les relations de pouvoir est évident dans Scarred for Life (1994), un ensemble de lithographies juxtaposant photographies et texte, imitant la mise en page et le format d'anciennes pages du magazine Life fanées. La série dépeint l'enfance et l'adolescence comme des temps saturés de violence, de négligence et de troubles psychologiques. En 1998, Moffatt a expérimenté un nouveau médium, créant Laudanum, une série de photogravures - ou de gravures photographiques - centrées sur la relation entre une femme et son serviteur autochtone. Son œuvre récente, `` Spirit Landscapes '' (2013), présentée à QAGOMA en 2015, comprend cinq nouvelles séries photographiques et un film, explorant la spiritualité, la mémoire dans le paysage et le surnaturel, et offrant une méditation sur l'importance de la terre et placer à travers des histoires personnelles et universelles.

Patrick Pound

Au cœur de la pratique de Patrick Pound (né en 1962), l'intérêt pour les notions de collection et d'archives lui permet de créer une sorte de «cartographie de la culture humaine». Avec une vision du monde qui l'assimile à un puzzle, l'artiste tente de reconnecter ses pièces une par une en accumulant, catégorisant et classant minutieusement les photographies trouvées et les éphémères. La pratique de Pound vise à atteindre une compréhension inaccessible à travers une collection infinie. Ses collages et assemblages d'images trouvées et d'objets jetés ne sont pas aléatoires, ils fonctionnent plutôt comme des définitions dans un dictionnaire ou comme des preuves compilées et construites. Pound «définit» des notions abstraites capturées sur film, mais négligées par l'observateur ordinaire - matérialisant des portraits de l'immatériel. Par exemple, Portrait of the Wind (2013) comprend une grande collection de portraits trouvés de personnes `` qui se trouvaient être dans le vent '', tandis que la série Crime Scene (2013) présente des photographies dans lesquelles les sujets semblent décédés - en vérité, la majorité d'entre eux dormaient. L'ombre du photographe est une série de photographies dans lesquelles l'ombre du photographe est capturée sur un film, tandis que dans The Missing Pound a supprimé des personnes des cartes postales et des photographies à l'aide de Photoshop.

Liu Xiaoxian

Originaire de Chine, Liu Xiaoxian (né en 1963 à Pékin) a déménagé en Australie en 1990, après l'incident de Tiananmen. Son passé chinois et son expérience de vie en tant qu'Australien «adopté» jouent un rôle important dans sa pratique artistique, qui explore les différences ainsi que les points communs entre l'Est et l'Ouest sur des questions telles que la culture, la tradition, la politique, la religion, l'identité et le sexe. . À travers la photographie et la sculpture, Liu analyse les symboles occidentaux et orientaux emblématiques ou culturellement significatifs comme une expression de l'expérience du migrant, les juxtaposant dans son travail. Son diptyque monumental Our Gods (2000), dans la collection de l'Art Gallery of New South Wales, rassemble des représentations du Christ souffrant et du Bouddha rieur. Plus que simplement placés côte à côte, les deux portraits sont composés - à l'aide du montage et de la manipulation numérique - de 22 500 images minuscules et répétées de l'autre, comme des pixels. Dans une œuvre antérieure, My Other Lives (1999), Liu a utilisé des photographies de sa vaste collection d'albums de famille australiens vintage. L'artiste a inséré numériquement son visage dans des images stéréographiques de familles australiennes du début du siècle. Liu tente de donner une visibilité à une histoire souvent négligée des identités asiatiques dans la construction de la culture australienne, ainsi que d'aborder les notions de déplacement, de migration et d'identité.

Pat Brassington

Travaillant dans la photographie et les médias numériques, Pat Brassington (né en 1942) puise ses influences dans le surréalisme, plongeant dans l'étrange et l'effet provocateur que l'ambiguïté a sur l'interprétation. Son travail se déroule en images qui se transforment comme les taches d'encre d'un test de Rorschach, ouvrant sur les possibilités infinies de nos états psychologiques intérieurs liés aux récits de sexe, de mémoire et d'identité. Les images rêveuses de Brassington combinent analogique et numérique, passé et présent, créant une (sur) réalité ambiguë, parfois abstraite. Dans ses premiers travaux, elle a utilisé un film en noir et blanc pour capturer des images poétiques et sombres de nus près des portes et d'autres œuvres. Dans les années 1990, Brassington s'est éloigné du médium plus traditionnel et a commencé à adopter la manipulation numérique. La capacité de démembrer, de déconstruire et de reconstruire des images a cédé la place à son imagination sans limites et lui a permis de poursuivre son intérêt de longue date pour l'espace entre la réalité et la fantaisie. L'artiste utilise des photographies trouvées ou existantes de sa propre collection personnelle, en les combinant avec des «éléments étrangers». Des images troublantes de bouches bâillonnées, comme dans Forget Your Perfect (2008), des cuisses tordues et des éléments semblables aux organes génitaux - comme dans sa série In My Mother's House (1994) - ne sont que quelques-unes parmi les nombreuses qu'elle a produites.

Peta Clancy

Peta Clancy (née en 1970) explore les thèmes de la fugacité, de la temporalité, de la mutabilité et des limites corporelles et subjectives du corps humain. Sa pratique photographique s'éloigne des limites bidimensionnelles pour embrasser le champ élargi de la photographie, avec des interventions telles que le perçage, le froissement, le froissement et l'enrobage dans de la cire, ainsi que la production de pièces d'installation telles que This Skin I'm In (2002) - avec des images imprimées sur des oreillers en tissu. Répondant à un souci de peau, de mortalité et de vieillissement, sa série Elle la porte comme une carte sur sa peau (2005-2006) est composée d'images des yeux et des lèvres d'une femme percée d'une fine aiguille en argent, pour créer un effet de dentelle . Clancy dit que «la peau n'a pas de racines, elle se détache facilement comme du papier» (téléchargement PDF) et «les surfaces de la peau et la photographie sont au cœur de son travail». La prise de conscience de la vulnérabilité et de la fragilité du corps humain et la façon dont il peut évoluer si rapidement sont au cœur d'une autre série, papier mince (2007), où le papier est également représentatif de la peau humaine - l'artiste non seulement le perce, mais le froisse, comme pour représenter une peau ridée. Waiting for the Dust to Settle (2000-2005) capture le temps qui passe et `` les infimes résidus de notre vie quotidienne '', avec des images de traces et d'ombres laissées par les objets lorsqu'ils sont retirés de leur place. Des fragments agrandis de poussière et de peau morte suggèrent la mortalité et «la poussière dont le corps vient et vers laquelle il retournera.

Trent Parke

Le photographe Magnum Trent Parke (né en 1971) est inspiré par son expérience de la vie quotidienne et travaille principalement avec la photographie de rue. En 2003, Parke a parcouru près de 90 000 km à travers l'Australie avec son épouse et collègue photographe, Narelle Autio. Le résultat a été Minutes to Midnight, une collection de photos du voyage qui offre un portrait inquiétant de l'Australie du XXIe siècle, de l'arrière-pays desséché à la vie chaotique dans les villes aborigènes éloignées. En 2007, Parke s'est lancé dans un voyage intérieur, pour explorer sa propre vie et son passé - comme il le dit, «pour creuser mes propres histoires». Pendant sept ans, il a travaillé sur The Black Rose Diaries, présenté à l'Art Gallery of South Australia en 2015. La série a commencé lorsque Parke a réfléchi une nuit où, à l'âge de 12 ans, il a été témoin de la mort de sa mère d'une crise d'asthme. À partir de ce moment, l'artiste a fermé tous les souvenirs de son enfance, jusqu'à ce qu'il confronte les problèmes et commence à créer un ensemble d'œuvres autour de lui. Composée de photographies, de lettres et de textes, la série raconte non seulement la vie de Parke - passée et présente - mais pose également des questions universelles sur notre existence même. Dérivé de ses expériences quotidiennes et de ses réflexions sur la vie, le travail est une méditation sur les voyages de la vie et la façon dont le présent, le passé et le futur sont interdépendants.

Petrina Hicks

Petrina Hicks (née en 1972) utilise `` le langage séduisant et brillant '' de la photographie commerciale - son expérience professionnelle - pour aborder les questions de beauté et de perfection, tout en explorant la capacité de la photographie à créer et corrompre des processus de consommation et de séduction. Ses images présentent des sujets apparemment sans faille, juxtaposés à des éléments «étrangers», étranges qui déconcertent le spectateur - pointant vers la tension entre la beauté et l'imperfection. Dans Shenae et Jade (2005), un jeune mannequin tient une perruche par la tête dans sa bouche - une combinaison improbable et peu conventionnelle qui déséquilibre le portrait perfectionniste de la mode. Hicks explore souvent l'identité féminine, faisant référence à la mythologie et à l'histoire de l'art, et les reliant à la culture de l'image contemporaine. Cela est évident dans Hippy and the Snake (2011), une série composée d'une vidéo et de photographies à grande échelle qui ont subtilement référencé Eve et le serpent dans un jardin d'Eden réinventé. Dans Vénus et La Naissance de Vénus, elle pointe avec justesse une déesse mythologique et d'autres symbolismes féminins, tout en faisant écho à des notions plus contemporaines du féminisme et du regard masculin sexualisé. (Téléchargement PDF) D'autres ouvrages font référence à la relation symbiotique entre l'homme et l'animal, comme Lambswool ou Rosemary's Baby (2008).

Sonia Payes

La photographe et artiste des nouveaux médias Sonia Payes (née en 1956) s'est orientée ces dernières années vers le surréaliste, créant des images obsédantes et multicouches dans lesquelles des éléments sont inversés, obscurcis et laissés invisibles. À travers sa pratique photographique et ses nouvelles animations multimédias et installations tridimensionnelles, Payes explore les thèmes de la destruction de l'environnement, de l'apocalypse et du renouveau de notre avenir. L'artiste a attiré l'attention avec ses essais photographiques sur 60 artistes australiens dans UNTITLED. Portraits d'artistes australiens, publié par Macmillan en 2007. En 2012, Payes a entrepris une résidence avec l'Australia China Art Foundation dans les régions rurales de Pékin, qui a abouti à la production de la série Interzone, présentée à Fehily Contemporary en 2013. Pendant son séjour à Pékin, Payes était plongé dans l'environnement difficile du développement urbain rapide de la Chine - les terres agricoles étaient rapidement remplacées par des carrières et du ciment. L'artiste a été témoin de changements importants non seulement dans le paysage et l'environnement, mais aussi dans les relations humaines. À travers sa série, Payes a fourni un commentaire social ainsi qu'une réflexion sur les nouvelles interrelations homme-environnement causées par la vaste industrialisation de la Chine. `` Re-generation '' (2014) a exploré la pratique de Payes à travers une variété d'œuvres, y compris Earth Warriors et Ice Warriors - présentés comme des `` guides '' pour diriger l'humanité dans sa quête pour trouver de nouvelles solutions à la dégradation infligée à notre environnement. D'autres séries illustrent et réfléchissent à la résilience de l'humanité et à sa capacité de changer et de s'adapter sans cesse à l'environnement mutable de la terre.

 

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