La scène artistique contemporaine du Japon est très diversifiée et abrite des artistes pionniers qui ont transformé le paysage de l'industrie à l'échelle mondiale. Du mouvement Superflat de Takashi Murakami à l'univers à pois de Yayoi Kusama, en passant par les approches collaboratives et performatives des médias visuels et l'utilisation futuriste de la technologie dans les pratiques artistiques, nous dressons le profil de 10 artistes contemporains japonais incontournables.

Chiho Aoshima

Membre de la société de production artistique Kaikai Kiki et du mouvement Superflat (tous deux fondés par le légendaire artiste japonais Takashi Murakami), Chiho Aoshima est surtout connue pour ses fantastiques créatures et paysages urbains pop. Autodidacte qui a commencé à travailler avec l'art graphique dans l'usine de Murakami, Aoshima crée des paysages de rêve surréalistes habités par des fantômes, des démons, des jeunes femmes et des éléments de la nature. Son œuvre est généralement à grande échelle et imprimée sur du papier avec des matériaux tels que le cuir et le plastique, pour la texture. En 2006, Aoshima a produit City Glow, Mountain Whisper à la station Gloucester Road à Londres dans le cadre de `` Art on the Underground '', transformant 17 arches de plate-forme successives en un paysage magique qui s'est progressivement déplacé du jour au soir, de l'urbain au rural. L'œuvre dépeint le monde utopique d'Aoshima dans lequel le temps est suspendu et les créatures organiques ne font qu'un avec des choses autrement inanimées.

Chiharu Shiota

Chiharu Shiota est une artiste de performance et d'installation qui crée des installations visuelles à grande échelle et spécifiques au site. Au centre de sa pratique se trouvent les thèmes de la mémoire et de l'oubli, les rêves et la réalité, passés et présents, et la confrontation de l'anxiété. Ses œuvres les plus célèbres impliquent des toiles impénétrables de fil noir qui enferment une variété d'objets domestiques, personnels et quotidiens, tels que de vieilles chaises, un piano brûlé, une robe de mariée et parfois l'artiste elle-même. Labyrinth of Memory (2012) comprend une série de robes englouties par le fil noir omniprésent. Ces robes sont conçues comme une «seconde peau», moulant et resserrant le corps. L'omniprésence du fil noir est destinée à décrire et à renforcer cette relation exacte. À l'été 2014, Shiota a installé Perspectives (2004), faites avec plus de 300 chaussures données accompagnées de notes manuscrites de chaque donateur, confiant un souvenir personnel. Shiota a ensuite connecté les chaussures avec des brins de fil rouge, chacun suspendu au même crochet. Shiota a représenté le Japon à la 56e Biennale de Venise en 2015, et sa première exposition à Blain Southern, Berlin, qui a ouvert ses portes lors de la Berlin Art Week en 2016, a fait sensation.

Ei Arakawa

Ei Arakawa s'inspire des états de changement, des périodes d'instabilité, des accidents heureux et des éléments de risque. Ses pièces et installations de performance impliquent des thèmes de collectivité, d'amitié, de simultanéité et d'improvisation. Le travail d'Arakawa est presque toujours collaboratif, et s'engage avec l'élément artistique du spectacle social - de la production à la destruction. Sa sensibilité artistique est influencée par une condition performative, indéterminée, «partout mais nulle part». Son travail apparaît dans des endroits inattendus à l'international, se multipliant grâce à des processus collaboratifs. En 2013, son travail a été exposé dans la `` Kamikaze Loggia '' (pavillon géorgien) de la Biennale de Venise, et dans une enquête sur l'art contemporain japonais intitulée `` Roppongi Crossing '' au Mori Art Museum. Son installation Hawaiian Presence (2014) était un projet collaboratif avec l'artiste new-yorkaise Carissa Rodriguez pour la Biennale de Whitney 2014. À Frieze London en 2014, Arakawa et son frère Tomoo - travaillant en duo sous le nom de United Brothers - ont présenté un travail de performance intitulé Does This Soup Taste Ambivalent? dans laquelle le couple a offert de la soupe aux visiteurs, réputée faite avec des racines de daikon «radioactives» de Fukushima.

Koki Tanaka

L'approche visuelle de l'artiste de l'année de la Deutsche Bank 2015 Koki Tanaka explore la communauté et une expérience partagée de créativité et d'imagination, encourageant les échanges entre les participants tout en plaidant pour de nouvelles règles de collaboration. Son installation au Pavillon du Japon de la Biennale de Venise 2013 consistait en une vidéo avec des objets transformant le pavillon en plateforme de partage artistique. Les vidéos et installations de Tanaka plongent dans la relation entre les objets et les actions, enregistrant des gestes simples exécutés avec des objets du quotidien tels qu'un couteau coupant des légumes, de la bière versée dans un verre et l'ouverture d'un parapluie. Rien de grand ne se produit dans ces vidéos, mais la répétition compulsive et l'attention aux moindres détails obligent le spectateur à apprécier le banal.

Mariko Mori

Mariko Mori crée des œuvres multimédias en vidéo, photographie, nouveaux médias et art d'installation. Elle exprime une vision minimaliste et futuriste à travers des formes épurées et surréalistes. Un thème récurrent dans le travail de Mori est la juxtaposition de la mythologie orientale avec la culture occidentale, comme on le voit dans ses images en couches numériques. Mori est devenu célèbre avec Wave UFO, qui a fait ses débuts au Kunsthaus Bregenz, en Autriche, en 2003. Par la suite, cette pièce a voyagé à New York et a ensuite été incluse dans la Biennale de Venise 2005. En 2010, Mori a fondé la Fondation Faou, une organisation éducative et culturelle à but non lucratif à travers laquelle elle a consacré une série de ses propres installations artistiques permanentes harmonieuses et spécifiques au site pour honorer les six continents habitables. Plus récemment, une installation permanente de la Fondation Faou intitulée Ring: One With Nature a été installée au-dessus d'une cascade pittoresque à Visconde Mauá à Resende, non loin de Rio de Janeiro.

Ryoji Ikeda

Ryoji Ikeda est un artiste des nouveaux médias et du son dont le travail se concentre principalement sur le son dans une variété d'états `` bruts '' - des tons sinusoïdaux au bruit - en utilisant des fréquences à la limite de la plage auditive humaine. Ses performances et ses installations immersives comprennent des sons générés par ordinateur qui se transforment visuellement en projections vidéo ou modèles numériques. L'œuvre audiovisuelle d'Ikeda utilise l'échelle, la lumière, l'ombre, le volume, l'ombre, les sons électroniques et le rythme pour inonder les sens. Son célèbre modèle de test [no. 5] comprend cinq projecteurs qui illuminent un espace au sol d'environ 28 mètres (92 pieds) de long et huit mètres (26 pieds) de large. L'installation convertit les données (texte, sons, photos et films) en codes à barres et modèles binaires de zéros et de uns. L'œuvre d'Ikeda comprend également des performances d'une nuit, telles que la datamatique [ver. 2.0], une version mise à jour d'un concert audiovisuel qu'il a présenté dans plusieurs lieux à travers le monde depuis 2006, à partir de Zero1, San Jose, Californie, pour ISEA 2006. Ikeda examine et applique des méthodes mathématiques et scientifiques pour façonner la musique, le temps et l'espace, créant des expériences fascinantes. Il explore le son et la vision, déconstruisant leurs propriétés physiques pour révéler les relations complexes impliquées dans la perception humaine. En fin de compte, Ikeda teste l'extrême potentiel de la technologie numérique, défiant les seuils de perception.

Takashi Murakami

Takashi Murakami est l'un des artistes contemporains les plus emblématiques du Japon. Des peintures aux sculptures à grande échelle et aux collaborations de mode, le travail de Murakami est influencé par les mangas et les anime. Fondateur du mouvement Superflat et du collectif d'artistes Kaikai Kiki, Murakami a développé et soutenu la carrière de nombre de ses contemporains. Le terme «super plat» décrit à la fois les caractéristiques esthétiques de la tradition artistique japonaise et la nature de la culture et de la société japonaises de l'après-guerre. La tradition a laissé un héritage d'images plates et bidimensionnelles, avec un accent sur les plans plats de couleur, qui a été ré-élaboré dans la culture contemporaine à travers les mangas et les anime. Le Japon d'après-guerre a également connu un «aplatissement» des différences de classe sociale et de goût populaire. La pratique de Murakami consiste à reconditionner des éléments qui sont généralement considérés comme «bas» ou sous-culturels et à les présenter sur les marchés «élevés» de la mode et de l'art. Son provocateur My Lonesome Cowboy (1998) s'est vendu chez Sotheby's New York pour un record de 15, 2 millions de dollars en 2008. En plus de son œuvre, Murakami a collaboré avec Marc Jacobs, Louis Vuitton et Issey Miyake.

Tatsuo Miyajima

Tatsuo Miyajima est un sculpteur et artiste d'installation dont les œuvres hautement technologiques utilisent des matériaux contemporains tels que les circuits électriques, la vidéo et les ordinateurs, centrés sur l'utilisation de gadgets depuis les années 1980. Les concepts artistiques fondamentaux de Miyajima s'inspirent des idées humanistes et des enseignements bouddhistes. Les compteurs LED de ses installations clignotent en continu de 1 à 9, symbolisant le voyage de la vie à la mort, mais évitant la finalité, qui est représentée par 0 et n'apparaît jamais dans son travail. Ses chiffres omniprésents, présentés dans des grilles, des tours et des circuits, expriment son intérêt pour les idées de continuité, de connexion, d'éternité et de flux du temps et de l'espace. Plus récemment, le travail de Miyajima intitulé Arrow of Time (Unfinished Life) a été présenté dans l'exposition inaugurale du Met Breuer, 'Unfinished: Thoughts Left Visible' à New York.

Yayoi Kusama

Avec une carrière incroyable s'étalant sur sept décennies, Yayoi Kusama a exploré les domaines de la peinture, du dessin, du collage, de la sculpture, de la performance, du cinéma, de la gravure, de l'installation et de l'art environnemental, ainsi que de la littérature, de la mode et de la conception de produits. Kusama a développé un style très distinctif d'art à pois, qui est depuis devenu sa marque de fabrique. De telles visions illusoires sont, pour Kusama, le produit d'hallucinations qu'elle a connues depuis son enfance, dans lesquelles le monde semble recouvert de formes proliférantes. Kusama a couvert des pièces entières de points colorés et de miroirs «infinis» qui reflètent sans fin les formes lumineuses colorées.

Yoshitomo Nara

Yoshitomo Nara crée des peintures, des sculptures et des dessins représentant ses enfants et ses chiens aux yeux écarquillés - des sujets qui tentent de capturer un sentiment enfantin d'ennui et de frustration et de retrouver l'indépendance farouche naturelle des enfants. Rappelant les illustrations de livres traditionnels, son esthétique présente une tension agitée, en partie influencée par l'amour de Nara pour le punk rock. Les titres de ses œuvres en témoignent, de The Girl With the Knife in Her Side (1991) à Silent Violence (1998), Neurotic to the Bone (1999) et There Is Nothing (2000). En 2011, le Asia Society Museum de New York a organisé sa première grande exposition solo, intitulée `` Yoshitomo Nara: Nobody's Fool '', comprenant des travaux qui s'étalent sur 20 ans de carrière de l'artiste. Les œuvres présentées étaient intimement liées à la sensibilité des sous-cultures de la jeunesse du monde entier, se concentrant sur des thèmes d'aliénation et de rébellion, en particulier en relation avec la musique rock et punk.