Les 10 œuvres les plus influentes des années 1920 et 1930

Les années 1920 et 1930 ont vu l'émergence d'une série de nouveaux mouvements artistiques européens phares, notamment l'Art déco, le cubisme et le surréalisme, entre autres. Culture Trip jette un œil à certaines des œuvres d'art les plus importantes de ces deux époques déterminantes.

New York, début des années vingt (1920-24)

L'artiste né dans le Missouri, Thomas Hart Benton, rend hommage à sa ville adoptive de New York dans cette composition d'huile, présentant une vue plongeante sur Madison Square Park. Reconnu internationalement comme un pionnier du mouvement artistique régionaliste, Benton a étudié l'espace urbain à New York, au début des années vingt (1920-24), dépeignant des personnes en mouvement qui sont peintes comme des figures d'allumettes sombres. Dépassant parfaitement les véhicules stationnaires, ces personnages survivent à la sombre tempête qui se forme au-dessus des imposants gratte-ciel et du drapeau américain. Le climat orageux se déroule pendant une période de troubles personnels et professionnels pour Benton en tant que sympathisant de gauche.

Porte de Menin à minuit (1927)

La représentation de Will Longstaff du monument aux morts de la porte de Menin à Ypres (également connu sous le nom de Ghosts of Menin Gate ) fait partie d'une collection au Australian War Memorial à Canberra. La composition capture les esprits des soldats marchant à l'unisson à travers un champ de maïs sous un ciel du soir indigo. Après avoir assisté au dévoilement de la porte de Menin en juillet 1927, Longfield prétendit avoir eu une apparition des troupes à casque d'acier. L'artiste est rentré chez lui à Londres et a terminé son hommage en une seule séance. Les coquelicots rouges au premier plan représentent le sang versé pendant la Première Guerre mondiale et le mémorial de calcaire à gauche montre une entrée sombre et sinistre. Les bâtiments sont parsemés à l'horizon lointain (avec une lumière intermittente), ce qui suggère que la zone est étroitement surveillée.

Chop Suey (1929)

Le portrait du réalisme social d'Edward Hopper est composé d'une composition de rectangles géométriques multicolores et représente une scène dans un restaurant chinois. Au centre, au premier plan, deux femmes (toutes deux soupçonnées d'être basées sur la femme de Hopper, Joséphine) qui semblent avoir une relation ambiguë. Ils reflètent l'un et l'autre le comportement solitaire et distant à travers une table lumineuse en chapeaux cloche verts et violets. Il n'y a pas d'interaction tactile, et la dame en vert cache ses mains de manière défensive sous la table, suggérant un malaise. Les quatre personnages représentés se rencontrent pour un événement social, mais l'ironie réside dans un manque d'intérêt mutuel et de spontanéité, qui se répand à travers leurs expressions faciales détachées. Un homme en arrière-plan discutant avec une amie semble apprécier sa cigarette plus que son rendez-vous. Hopper attrape la solitude de chacun malgré le fait qu'il se trouve dans un espace public ouvert. Un mélange de lumière naturelle et artificielle est visible dans toute la composition; le soleil se reflète sur le panneau d'affichage directement sur les tableaux blancs et la femme en vert, lui donnant une pâleur fantomatique.

Histoire du Mexique (1929-35)

Financée par le gouvernement mexicain, la fresque de Diego Rivera a duré six ans et se trouve dans la cage d'escalier du Palais national ( Palacio Nacional ) à Mexico. Diego a présenté au public un récit qui décrit avec sympathie les Indiens comme la minorité opprimée, brutalisée par les Espagnols. Composées de quatre sections, les plus grandes pièces murales mesurent 70 mètres (229, 7 pieds) sur 9 mètres (29, 5 pieds). Le mur nord est dédié à une représentation de la culture aztèque, incorporant un soleil symbolique (le centre de la religion aztèque) avec une pyramide et un chef aztèque en dessous. Le mur ouest représente l'histoire de la guerre, avec Cortes et les armées espagnoles vaincant les forces opposées des Indiens et des Aztèques. Le mur sud représente tout ce que Rivera aimait et a été inspiré par, du drapeau communiste rouge au socialiste Karl Marx et à l'artiste et épouse Frida Kahlo aux côtés de sa sœur Cristina (ancienne amante de Diego). Les écoliers sont représentés dans la section, symbolisant la paix, l'unité et les progrès futurs de la société.

La persistance de la mémoire (1931)

S'inspirant de Freud et de ses enseignements de psychanalyse, Salvador Dalí a créé ce surréaliste au début des années 1930. Une douce montre fondante pend mollement d'une branche d'arbre au premier plan gauche, démontrant peut-être que le temps est courbé hors de toute proportion. La limace au centre du premier plan est représentative du profil distinctif de Dalí, une figure dépassée par le temps, encadrée par des cils ressemblant à des insectes. L'utilisation de fourmis par Dalí sur le cadran d'une horloge au premier plan à gauche souligne le sens de la décomposition et de la destruction dans le paysage aride. Dalí intègre les caractéristiques du paysage accidenté de la péninsule du Cap de Creus et du mont Pani de sa Catalogne natale. Présentée à l'origine à la galerie Julien Levy en 1932, The Persistence Of Memory (1931) est exposée au Museum of Modern Art de New York depuis 1934.

Le feu à la pleine lune (1933)

Fire at The Full Moon (1933) a été produit par l'artiste suisse-allemand Paul Klee pendant une période de troubles socio-politiques à travers l'Europe en relation avec la succession de Hitler en tant que chancelier allemand. Professeur d'art à l'Académie de Düsseldorf et présumé juif, Klee a souffert aux mains de soldats nazis qui ont saccagé sa maison. Il a perdu son emploi et a commencé à souffrir de sclérodermie, qui finirait par se révéler fatale. La riche composition de Fire at The Full Moon est construite à travers une tapisserie cubique et géométrique de blocs lourds et colorés représentant les vastes champs de la campagne. Un grand soleil jaune domine le paysage dynamique au-dessus dans le coin supérieur gauche. Une croix rouge vif en haut à droite du cadre a le double objectif de représenter la Croix-Rouge tout en se démarquant comme une grande `` pierre tombale '', signifiant la mort.

Mère migrante (1936)

La photographe Dorothea Lange a parfaitement saisi l'inquiétude et le désespoir de Florence Owens Thompson, une femme qui faisait face à un avenir incertain en tant que citoyenne américaine sans-abri pendant la Grande Dépression. Florence, alors âgée de 32 ans, était une mère veuve et une ouvrière agricole indigente. Deux des enfants découragés de Florence pendent de ses épaules, le visage obscurci. Florence regarde à sa droite consumée par l'inquiétude, les sourcils froncés, étreignant le menton. Cet instantané emblématique est l'un des six que Lange a pris pendant son séjour dans un camp de cueilleurs de pois à Nipomo Mesa, en Californie.

Guernica (1937)

À environ 11 pieds (trois mètres) de haut et 25 pieds (huit mètres) de large, Guernica de Pablo Picasso (1937) utilise des blocs monochromes de gris, noir et blanc pour refléter le sombre spectre de la mort et de la destruction. Cette composition abstraite rend hommage aux citoyens tués et grièvement blessés par les bombes larguées dans la ville de Guernica, dans le nord de l'Espagne, pendant la Seconde Guerre mondiale. Les animaux et les humains terrifiés ont les yeux écarquillés et la bouche ouverte avec des membres entrelacés dans l'attaque. La douleur et l'angoisse des victimes sont illustrées par le tir d'une mère avec un enfant sans vie dans ses bras, hurlant de douleur à sa perte. Une figure masculine gît sur le sol au premier plan en dessous, ses membres mutilés par des munitions tombées, tenant une épée cassée pour se protéger. L'ampoule dans le premier plan en haut à gauche reflète le soleil «artificiel» au-dessus du paysage noirci plein de carnage et de destruction. Des coupures de journaux sont imprimées sur les membres d'un cheval terrifié qui a été lacéré avec une lance dans le côté. Un taureau est pris dans le bain de sang, représentant El Toro, l'emblème national officieux de l'Espagne.

Les Deux Fridas (1939)

L'autoportrait de l'artiste surréaliste Frida Kahlo a été créé au cours d'une année de troubles personnels; elle avait divorcé de son mari Diego Rivera et avait souffert d'autres traumatismes personnels. Les deux Fridas sont conjoints comme des jumeaux, liés ensemble par l'apport de sang au cœur, se tenant la main. Sur la gauche, nous voyons une Frida vêtue d'une robe traditionnelle blanche de tehuana (le blanc étant la couleur mexicaine du deuil), couverte de sang de ses tentatives réussies pour couper sa lignée avec une paire de ciseaux à pincer. L'artère principale est coupée, soulignant peut-être son cœur brisé. Elle est soutenue par la Frida en meilleure santé, dont le cœur est plein et dont les vêtements multicolores indiquent chaleur et dynamisme. L'angoisse émotionnelle de Frida est indiquée en arrière-plan avec des nuages ​​d'orage se rassemblant à l'horizon.

L'étoile du matin (de Constellations) (1939)

L'artiste catalan Joan Miró a commencé une série de 23 images nommées Constellations en 1939 dans l'espoir d'explorer sa fascination pour le pouvoir, les constellations et l'univers extérieur à l'aide de cartes astrales (qui ont toutes fourni un soulagement bienvenu de la guerre sur terre). Miró suggère qu'il aimerait prendre la forme d'un oiseau, loin de l'effusion de sang sous le pouvoir de l'Allemagne nazie à travers l'Europe. Formant un puzzle abstrait, de petites tranches de couleurs primaires sont généreusement tissées à travers les coins de la composition. Le fond est doucement en sourdine avec un fond rose saumon et bleu clair.

 

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