La signification du portrait d'Arnolfini de Jan Van Eyck

Le portrait Arnolfini de Jan van Eyck (1434) est sans aucun doute l'un des chefs-d'œuvre de la collection de la National Gallery. Avec un pinceau si fin, l'effet semble photographique, des détails cachés et des effets visuels ludiques, cette peinture est aussi visuellement intrigante que célèbre. C'est aussi un document informatif sur la société du XVe siècle, à travers l'usage intensif du symbolisme par van Eyck.

Le sujet du Portrait d'Arnolfini (figure 1) est domestique: un homme et une femme se tiennent la main dans un décor intérieur, avec une fenêtre derrière lui et un lit derrière elle dans le symbolisme naturel des rôles conjugaux du XVe siècle - tandis que les maris sortaient pour se livrer en affaires, les épouses s'occupent des tâches domestiques. Les vêtements portés par la paire auraient également été conçus comme démonstratifs, cette fois de richesse et de statut social. La fourrure était un luxe coûteux autorisé par la loi uniquement aux échelons supérieurs de la société, de sorte que les patrons et les gardiens de van Eyck auraient fait une déclaration consciente de leur richesse et de leur statut en ayant des vêtements garnis de fourrure (en particulier parce que l'arbre en fleurs à l'extérieur de la fenêtre suggère que la journée était chaude). Les couleurs de ces vêtements et aussi des tentures de lit sont également importantes: le rouge, le noir, le vert et en particulier le bleu étaient tous des colorants fabuleusement chers, donc encore une fois aurait été destiné à montrer la richesse de ce couple, idem la quantité pure de tissu (Le plissage épais utilise plus de tissu, les vêtements ergonomiques avec plis, plis, plis, etc. coûtent tous plus cher). Van Eyck a également veillé à inclure de minuscules détails magnifiques - tels que les poignets assortis en or et en argent sur les poignets du couple, de nombreux détails autour du bord du voile de la femme et quelques oranges très chères sur la poitrine sous la fenêtre. Ceux-ci ont non seulement démontré son propre talent pour le pinceau qualifié et complexe, mais aussi le simple fait suivant: que le couple représenté était non seulement riche, mais éduqué - ils savaient comment leur argent devrait être dépensé pour qu'il réfléchisse bien sur eux-mêmes.

Cela nous amène à la question: qui était ce couple? On pense que le sujet soumis à la gauche du spectateur est un marchand de Bruges nommé Giovanni di Nicolao Arnolfini, et la femme à côté de lui sa femme. Cependant, plusieurs problèmes sont associés à la seconde moitié de cette identification. L'artiste a clairement écrit sur la peinture, en latin fleuri, «Jan van Eyck était ici en 1434». Cependant, la femme de Giovanni était décédée en 1433, ce qui présente l'hypothèse possible: van Eyck avait commencé les travaux en 1433 alors que la femme de son patron était en vie mais elle était décédée au moment où il l'a terminée, ou c'était simplement un portrait posthume. Cette théorie n'est pas déraisonnable et est appuyée par une grande partie du contenu visuel de la scène: la prise lâche de la figure masculine sur la main glissante de la femme et les bougies étranges dans le lustre orné - celle du côté de l'homme est toujours entière et allumée, tandis que le bougeoir opposé est vide à part quelques gouttes de cire, ce qui signifie que la lumière de la vie de l'homme brûle toujours tandis que la sienne s'est éteinte.

Il y a aussi, bien sûr, le miroir sur le mur arrière de la scène - un objet souvent associé aux peintures de Vanitas qui réfléchissent sur la mortalité et la mort, clair dans l' allégorie de la vanité de Trophime Bigot (figure 2). Les portraits posthumes n'étaient pas non plus inconnus; en 1472, à Urbino, en Italie, le duc Federico da Montefeltro avait commandé un diptyque pour lui-même et pour sa femme récemment décédée. Le double portrait survit à ce jour, le couple continuant à se faire face dans la mort et dans la vie, son visage bronzé et en bonne santé tandis que son visage est en marbre blanc (figure 3).

En revenant au portrait d'Arnolfini, il y a aussi une deuxième possibilité, qu'il s'agit d'une représentation d'un deuxième mariage, pour lequel les documents ont été perdus. Certes, le visage de la femme semble particulièrement jeune, presque comme une poupée - bien que ce jeune ne soit pas une indication qu'elle était une deuxième épouse, car les filles pouvaient être mariées avant même d'être adolescentes à cette époque. Son apparence est très à la mode, avec un front haut et plissé et des cheveux spécifiquement coiffés. La bourse ne semble pas penser qu'elle est enceinte bien qu'elle apparaisse immédiatement de cette façon, mais plutôt qu'elle soulevait beaucoup de tissu épais et plissé afin de montrer son jupon bleu cher. Bien sûr, cela pourrait être une erreur et le tissu aurait simplement dû attirer l'attention sur sa taille; il n'y a, après tout, pas à se méprendre sur le lit évident derrière elle, symboliquement revêtu entièrement de rouge - un signifiant incontestable de l'amour et de la passion.

Le petit chien à ses pieds démontre sa fidélité à son mari (un motif artistique classique et notamment utilisé par Madame de Pompadour au XVIIIe siècle; plusieurs de ses portraits en tant que maîtresse officielle du roi Louis XV de France incluent un petit chien noir (Figures 4 et 5)) et sa tête couverte exprime qu'elle est une femme mariée - seuls les jeunes, les royaux ou les immoraux porteraient leurs cheveux dénoués et découverts. Son regard vers le bas montre également sa soumission et sa docile obéissance à l'homme qui lui tient la main. C'était le XVe siècle après tout; les femmes étaient la propriété de leur parent masculin le plus proche, et l'idée qu'elles fassent autre chose que se préoccuper du bien-être de leur maison et de leur famille était tout simplement scandaleuse.

Jusqu'ici tout va bien - toute la visualisation est plutôt inhabituelle; à part, bien sûr, les détails à couper le souffle et la maîtrise éclatante de la couleur avec laquelle la scène est représentée, et l'attribution réelle de l'identité des modèles. Cependant, il existe plusieurs notes curieuses qui rendent ce travail de réalisme particulièrement intéressant. D'abord et avant tout, le miroir sur la paroi arrière - qui, soit dit en passant, pourrait être un travail d'imagination, car il est nettement plus grand que les miroirs pourraient réellement être faits pour être à ce stade - qui a déjà été abordé, mais pas noté pour son détails spectaculairement élevés. Dans la surface de verre polie et convexe, entourée de belles scènes miniatures de la Passion du Christ, le dos du couple se reflète - mais aussi, délicieusement avec la figure bleu vif de l'artiste lui-même afin de présenter une véritable représentation de la scène de la peinture . En raison de l'inclusion de l'artiste et de sa grande signature sur le mur, la théorie a été présentée que l'œuvre était l'équivalent d'un contrat de mariage: l'union a évidemment été témoin de l'inclusion visuelle d'une troisième figure, qui a également aidé signé l'image dans un grand script évident au-dessus du miroir pour prouver sa présence. Cette théorie nierait bien sûr qu'il s'agit d'un portrait commémoratif de la femme - mais en raison de l'absence de preuves concrètes prouvant une explication dans un sens ou dans l'autre, aucune ne peut être prouvée ou réfutée.

Cependant, cette ambiguïté ajoute plutôt au charme de cette peinture et exige que les téléspectateurs regardent de plus près le beau travail détaillé afin de creuser leurs propres idées et théories sur le travail à partir d'une analyse visuelle indépendante. Même si rien d'autre qu'une appréciation du talent suprême de Jan van Eyck ne peut être conclu de ce travail, c'est certainement une conclusion satisfaisante à retirer du mystérieux portrait d'Arnolfini. Peut-être, si son sujet était connu, avec tous ses détails et subtilités, le travail ne serait pas à moitié aussi apprécié ou étudié. Son charme réside dans les histoires et les idées qu'il inspire dans l'esprit de ceux qui le regardent, y plongent et creusent sous sa surface; une absence de connaissance ne fait qu'ajouter à sa beauté.

 

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