La signification de «Ophelia» par John Everett Millais

En 1894, la Tate Gallery a reçu dans sa collection une huile sur toile peinte par un membre fondateur de la confrérie préraphaélite (PRB), John Everett Millais. Intitulée Ophelia, elle dépeint les conséquences du suicide de l'héroïne shakespearienne à Hamlet. Scène morbide mais populaire à l'époque, sous le pinceau de Millais, ce tableau ne contenait aucune violence - seulement un ton éthéré et déchirant.

Bien qu'Ophelia ait été une des premières œuvres préraphaélites - une œuvre opposant l'artiste loué de la Renaissance Raphaël et son élégance influente - elle illustre en grande partie ce que le PRB représentait initialement: des détails élevés, une attention particulière à la nature, des couleurs abondantes et une composition non simpliste, avec des sujets souvent issus du romantique, du médiéval et du littéraire. Shakespeare était très populaire à l'époque victorienne, et la mort dramatique d'Ophelia, qui s'est délibérément laissée se noyer après le meurtre de son père aux mains de son amant Hamlet, est fréquemment apparue comme le sujet de nombreuses œuvres d'art à cette époque. Le PRB n'a pas hésité à des scènes qui étaient émotionnellement ou moralement difficiles, avec la mort entrant souvent dans leurs choix de sujet. Dans la seule collection Tate, Ophelia est rejointe dans des scènes de mort préraphaélites par La mort de Chatterton d'Henry Wallis et, naviguant jusqu'à sa mort, La Dame de Shalott de John William Waterhouse.

Aujourd'hui, Ophelia est exposée dans la salle 1840 de la Tate Britain et reçoit beaucoup d'attention des visiteurs, en grande partie grâce au pinceau superbement complexe et à l'expression incroyablement brisée du cœur encore visible sur le visage jeune, pâle et sans vie d'Ophelia, les lèvres toujours séparées des bribes de chanson qu'elle a chantée en mourant. Son corps semble suspendu dans l'eau, principalement submergé avec seulement son visage, son cou, ses seins et ses mains brisant la surface de l'eau, ainsi que quelques plis de jupe de sa robe très ornée. Ses cheveux auburn qui dérivent dans l'eau autour de sa tête semblent souligner sa jeunesse perdue tandis que ses mains sont tournées vers la paume, jetant simplement un coup d'œil à la surface de l'eau. L'impression générale est une défaite épuisée: elle n'a pas combattu sa mort mais l'a bien accueillie, comme le montrent ses mains qui se rendent et ses membres sans retenue.

La vie récemment éteinte d'Ophelia fait un contraste inquiétant avec la luxuriance qui l'entoure. Bien que la multitude de fleurs colorées puisse sembler présente uniquement pour ajouter des reflets de couleur à la scène, Millais a en fait injecté une grande intelligence dans ce travail en recherchant délibérément des fleurs symboliques - qui ont toutes été soigneusement imitées dans la peinture pour être botaniquement correct. Les roses renvoient au surnom d'Ophélie de son frère - `` rose de mai '' - tandis que l'amour, la douleur et l'innocence abandonnés sont montrés par les saules, les orties et les marguerites. Les pensées sont symboliquement similaires, démontrant l'amour en vain, tandis que la chaîne de violettes autour du cou d'Ophélie fait référence à la fidélité et à la chasteté, ainsi qu'à la mort - un sens triplé par la présence de coquelicots et de myosotis.

Pour capturer parfaitement l'effet des cheveux longs d'Ophelia et de la robe de brocart pleine longueur, blanche et argent-or sous l'eau, Millais a employé une jeune femme nommée Elizabeth Siddal pour s'allonger dans une baignoire et servir de modèle pour le corps d'Ophelia. Cela a duré une période de quatre mois, au cours de laquelle il a peint la figure gorgée d'eau de Siddal dans son paysage déjà achevé; Cependant, le partenariat a failli se terminer avec horreur lorsqu'à une occasion, les lampes gardant l'eau du bain au chaud se sont éteintes, ce qui a conduit le Siddal, qui ne se plaint pas, à devenir gravement malade et presque mort. Son père a menacé de traduire Millais en justice jusqu'à ce que, probablement avec plus d'un peu de culpabilité pour son inobservation, l'artiste ait payé les frais médicaux de son modèle. C'est peut-être le fait que Siddal deviendrait elle-même une artiste qui l'a empêchée d'interrompre la concentration de Millais: elle a reconnu son absorption dans son travail et la valeur de la concentration créative.

Aussi belle que le résultat fut de placer Siddal devant la toile de Millais, c'est à Dante Gabriel Rossetti que cette jeune femme à la peau pâle et aux cheveux cuivrés devint une muse particulière et, en 1860, sa fiancée. C'était malgré de nombreuses années turbulentes précédant le jour de leur mariage - y compris l'infidélité de Rossetti et l'abandon fréquent de ses promesses de mariage et de sa femme souvent maladive. Il y a une ironie tragique entre la vie d'Ophélie et d'Elizabeth Siddal: les femmes souffrant de chagrin et de dépression médicale se sont suicidées, incapables de vivre avec le chagrin de perdre des êtres chers. Car en février 1862, souffrant de dépression post-partum suite à la mortinaissance de sa fille, et accro à l'opium, la toujours mélancolique Siddal a pris une forte dose de laudanum - que ce soit intentionnellement ou accidentellement - et est décédée plusieurs jours plus tard.

Par conséquent, Ophelia de Millais , une peinture d'une jeune femme couchée, seule et sans visage, ressemble presque à une prémonition une fois que le spectateur est conscient de ce qui est arrivé au modèle. En raison du statut célèbre de Siddal, il est difficile de la séparer d'Ophelia malgré le fait de savoir où la ligne doit être tracée. Toute personne se tenant dans la salle 1840 de la Tate Britain peut lire Ophelia sur la note descriptive jointe à l'œuvre; pourtant, il ne fait aucun doute que la scène d'un autre monde prend un caractère poignant une fois que la présence de Siddal et de son histoire a été identifiée et associée à l'œuvre. Il est devenu au fil du temps une peinture de deux femmes plutôt qu'une, dans une scène pittoresque mais douloureuse, qui démontre également le talent de l'artiste et sa capacité à manier un pinceau de telle manière que la lumière, les textures et la nature les détails sont précisément capturés dans la peinture. Une œuvre d'art aux multiples facettes s'il en est.

 

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